El Metropolitan Museum está de cumple!

Un día como hoy de 1870 se firmaba en Nueva York la escritura fundacional de una de sus instituciones culturales más importantes, el Metropolitan Museum. Sus orígenes se remontan a 1866, cuando un grupo de diletantes estadounidenses de viaje en París se comprometieron a crear una gran institución para dar a conocer el arte al pueblo estadounidense. Uno de estos hombres, el abogado John Jay, fue quien a su regreso demostró mayor diligencia. Usó sus relaciones en el Union League Club para movilizar recursos y atraer el mecenazgo de hombres de negocios y coleccionistas. Así fue como se logró fundar el museo aunque la primera adquisición no llegó hasta noviembre, y al año siguiente se logró la primera gran compra: 174 cuadros de maestros europeos antiguos. Estos fueron el núcleo del primer montaje expositivo del museo, que abrió sus puertas el 20 de febrero de 1872.

PERO AMPLIEMOS UN POQUITO MÁS ESTA HISTORIA...
Las raíces más tempranas del Museo Metropolitano de Arte datan de 1866 en París, Francia, cuando un grupo de estadounidenses acordó crear una "institución nacional y galería de arte" para llevar el arte y la educación artística al pueblo estadounidense. El abogado John Jay, quien propuso la idea, avanzó rápidamente con el proyecto a su regreso a los Estados Unidos desde Francia. Bajo la presidencia de Jay, el Union League Club en Nueva York reunió a líderes cívicos, empresarios, artistas, coleccionistas de arte y filántropos para la causa. El 13 de abril de 1870, empieza a tener forma el Museo Metropolitano de Arte , abierto al público en el Edificio Dodworth en 681 Fifth Avenue. El 20 de noviembre de ese mismo año, el Museo adquirió su primer objeto , un sarcófago romano. En 1871, 174 pinturas europeas,Anthony van Dyck , Nicolas Poussin y Giovanni Battista Tiepolo , ingresaron a la colección.

El 30 de marzo de 1880, el museo se abrió al público en su sitio actual en Fifth Avenue y 82nd Street. Los arquitectos Calvert Vaux y Jacob Wrey Mold diseñaron la estructura gótica ruskiniana inicial, cuya fachada oeste aún es visible en el ala Robert Lehman . Desde entonces, el edificio se ha expandido mucho, y las diversas incorporaciones, construidas ya en 1888, ahora rodean completamente la estructura original.

La colección del museo continuó creciendo durante el resto del siglo XIX. La compra en 1874-76 de la Colección Cesnola de obras de arte chipriotas que datan de la Edad del Bronce hasta el final de la época romana, ayudó a establecer la reputación del Met como un importante repositorio de antigüedades clásicas. Cuando el pintor estadounidense John Kensett murió en 1872, 38 de sus lienzos llegaron al Museo, y en 1889, el Museo adquirió dos obras de Édouard Manet .

La fachada de la Quinta Avenida del Museo de Bellas Artes y el Gran Salón, diseñados por el arquitecto y fideicomisario del museo fundador Richard Morris Hunt, se abrieron al público en diciembre de 1902.

En 1910, The Met fue la primera institución pública en el mundo en adquirir una obra de arte de Henri Matisse . La antigua estatuilla de hipopótamo egipcio que ahora es la mascota no oficial del museo, "William", entró en la colección en 1917. Hoy en día, prácticamente todos los 26,000 objetos egipcios antiguos del museo, la mayor colección de arte egipcio fuera de El Cairo, están en exhibición.

Otras colecciones importantes que pertenecen al Museo incluyen armas y armaduras , las artes de África, Oceanía y las Américas , arte antiguo del Cercano Oriente , arte asiático , vestuario , dibujos y grabados , escultura europea y artes decorativas , arte griego y romano , arte islámico , arte medieval , arte moderno y contemporáneo , instrumentos musicales , fotografías , y el Lehman Colección Robert.

Hoy, decenas de miles de objetos están a la vista en cualquier momento en el edificio de dos millones de pies cuadrados del Museo.

Con la expansión del edificio completo, The Met ha seguido perfeccionando y reorganizando su colección. En 1998, la galería Arts of Korea se abrió al público, completando un gran conjunto de galerías dedicadas a las artes de Asia.

El 1 de noviembre de 2011, se abrieron al público las Nuevas galerías para el arte de las tierras árabes, Turquía, Irán, Asia central y Asia meridional del museo. En el lado norte del museo, se inauguraron las nuevas galerías americanas para pinturas, esculturas y artes decorativas del Met el 16 de enero de 2012, lo que indica la finalización de la tercera y última fase de la renovación de The American Wing.

Tenéis toda la información en el siguiente enlace: https://www.metmuseum.org/about-the-met/history página oficial del MET.

RAFAEL SANZIO

(Urbino, 1483-Roma, 1520).

Este pintor italiano ha sido siempre reconocido como uno de los más grandes artistas del alto renacimiento en Italia. En su corta vida se vio aclamado como pintor, diseñador y arquitecto, y trabajó para dos de los mayores mecenas de su tiempo, los papas Julio II y León X. En los orígenes de su enorme éxito estaban su herencia artística y el estudio constante. Su padre, Giovanni Santi, fue pintor y poeta en la corte de los Montefeltro en Urbino y, aunque falleció cuando su hijo aún no contaba doce años (en agosto de 1494), es probable que le enseñara los primeros rudimentos de la pintura. Rafael fue también poeta estimable, y la sensibilidad con que abordó los temas de sus pinturas hace suponer una deuda intelectual hacia su padre y la cultura de la corte de Urbino. A ello hay que añadir que sus dotes técnicas e intelectuales pudieron florecer gracias a la soltura con que aparentemente se movió en los círculos del poder de Urbino, Florencia y Roma, y también porque en su don de gentes (que el historiador del siglo xvi Giorgio Vasari señala en sus Vidas de los artistas de 1550 y 1568) debió de parecerse a Giovanni Santi. Su maestro más importante no fue su padre sino Pietro Perugino.

Tanto la naturaleza de su aprendizaje con Perugino como su fecha y duración han sido muy discutidas, pero sobre su realidad hay testimonios contemporáneos fehacientes, y su influjo sobre el estilo de Rafael fue duradero. Rafael ejecutó sus primeras pinturas independientes para Urbino y las localidades umbras de Perugia y Città di Castello hacia 1500-1507, y todas ostentan la huella del estilo de Perugino. Su primer encargo documentado es un gran retablo que pintó en 1500-1501 para la iglesia de San Agustín de Città di Castello (fragmentos en París, Brescia y Nápoles), pero en 1504 se estableció en Florencia, donde Miguel Ángel y Leonardo estaban revolucionando el renacimiento florentino con sus dramáticas batallas para el Palacio Vecchio y otras obras. El joven Rafael se sumergió en el arte nuevo, y muchos dibujos demuestran que estudió aspectos del estilo de uno y otro maestro. Pueden verse influencias de los dos en La Sagrada Familia del cordero (1507, Prado), ejemplo representativo de la pintura de pequeño formato (no cuadros de altar sino cuadritos de devoción y retratos) que hizo en Florencia. A finales de 1508 o comienzos de 1509 fue llamado a Roma por Julio II (papa de 1503 a 1513), para trabajar, junto con Perugino, Lotto, Sodoma y otros, en la redecoración de las salas del palacio del Vaticano que ahora se conocen como stanze. Integrado inicialmente en un equipo, Rafael no tardó en asumir la responsabilidad de todo el conjunto, y el proyecto le tuvo ocupado hasta su temprana muerte. Sus primeros frescos, en la Stanza della Segnatura (h. 1508-1511), comprenden La disputa del Sacramento y La escuela de Atenas, y representan una cima del alto renacimiento en Roma.

En La disputa está retratado el mismo personaje cuya imagen pintó Rafael sobre una tabla que se conserva en el Prado: El cardenal, realizado en Roma hacia 1510-1511. Es uno de los más grandes retratos del siglo XVI, y demuestra las nuevas influencias venecianas que Rafael había asimilado en Roma (en especial la de Lorenzo Lotto, como después la de Sebastiano del Piombo), así como su gran pericia técnica. El éxito que el pintor alcanzó en Roma fue tal que pronto se vio desbordado por encargos de pintura, diseño y arquitectura, y su taller creció hasta convertirse en el motor del renacimiento romano. Tras la elevación al solio de León X (papa de 1513 a 1521), Rafael hizo cuadros de altar para otros lugares, entre ellos La Virgen del pez (h. 1513, Prado), pintada para una capilla de Santo Domingo de Nápoles, y la Caída en el camino del Calvario, «el pasmo de Sicilia» (h. 1517, Prado), pintada para el convento de Santa María de las Angustias de Palermo. Estas dos obras, que fueron trasladadas de tabla a lienzo hacia 1813, permiten apreciar la monumentalidad que habían adquirido sus figuras y sus composiciones narrativas en comparación con su pintura anterior. La segunda, particularmente dramática, revela influencias de grabados norteños a la vez que las de Miguel Ángel y Leonardo. Esos cuadros de altar y otros posteriores tuvieron enorme repercusión en el arte romano del alto renacimiento, e incluso en el barroco (en artistas como Guido Reni y los Carracci).

Al mismo tiempo Rafael trabajaba en diversos proyectos para León X, entre ellos la continuación de los frescos de las stanze (finaliza la Stanza di Heliodoro, 1511-1514, y la Stanza dell'Incendio di Borgo, 1514-1517) y la preparación de los «Cartones de Rafael» (1515-1516, Royal Collection, en depósito en el Victoria and Albert Museum, Londres) para un juego de tapices destinado a la Capilla Sixtina (ahora en los Musei Vaticani). Al morir Bramante en 1514 fue también nombrado arquitecto del nuevo San Pedro de Roma, y la arquitectura (y la arqueología) llenó progresivamente su tiempo, por lo que tuvo que apoyarse cada vez más en su taller para atender los encargos de su numerosa clientela. Giulio Romano, el principal de sus ayudantes y futuro heredero artístico, colaboró con él en la ejecución de La Sagrada Familia del roble (Prado) y La Sagrada Familia del cordero (Prado), obras que reflejan la evolución de su estilo hacia un mayor acabado y el claroscuro intenso que es característico de sus últimos años (h. 1518-1520). La misma tendencia se observa en obras totalmente autógrafas como la pequeña Sagrada Familia con san Juanito (Prado), que se puede situar hacia 1518.

Rafael murió el mismo día en que cumplía treinta y siete años, y su cadáver fue velado en el Vaticano al pie de su última obra maestra, La Transfiguración -de la cual hay una copia de su discípulo Giovan Francesco Penni en el Prado-, antes de recibir sepultura en el Panteón de Roma.

Fue honrado a su muerte como lo había sido en vida, y celebrado en incontables panegíricos poéticos. Vasari, aunque consideraba a Miguel Ángel como la figura central de sus Vidas de los artistas, le presenta en este libro con suma reverencia como artista ejemplar y modelo santo (en un juego de palabras con el apellido Santi). En los siglos siguientes su fama alcanzó dimensiones hagiográficas, que culminarían en el siglo xix con el culto de los nazarenos y la devoción de artistas como Ingres. Su lugar en el panteón de los grandes artistas declinó a comienzos del siglo XX, cuando la figura del genio frustrado cobró mayor relieve que la del estudioso consumado, aunque últimamente el desarrollo de su estilo personal ha sido objeto de intensa atención, y la opinión general vuelve a admirar en él al más grande estudioso-asimilador de su tiempo, algo que ya comentaron sus contemporáneos, a la vez que reconoce que su extraordinaria trayectoria estilística -muy bien representada en las pinturas del Prado- compendia las conquistas del arte en las dos primeras décadas del siglo XVI.

Información extraída de: https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/rafael-sanzio/cfde10c0-f78c-4280-9ce3-3e7596cabecb

COPIAS, FALSIFICACIONES Y ALTERACIONES.

ALTERACIONES:
A lo largo de los años, muchos muebles han sido alterados, a menudo de forma bastante sencilla para hacerlos más funcionales. Algunas de las alteraciones típicas de esta clase son las mesas de comedor convertidas en mesas de desayuno más pequeñas, los biombos cortados y convertidos en pequeñas mesas para bebidas, y las cómodas dobles divididas  y vendidas por separado. También existen alteraciones más drásticas, como cortar las patas de una mesa de comedor para convertirla en mesita de café. Es evidente que en el sector más exigente del mercado una pieza alterada será menos atractiva que una que se encuentra en sus condiciones originales, pero entre muchas piezas funcionales y menos exclusivas una alteración práctica puede tener poca repercusión en el precio.
Por eso siempre ha de recordarse que, si no sabes restaurar....NO TOQUE EL MUEBLE. Y si quiere hacer de manitas con los muebles de casa....SELECCIONE EL DE MENOR VALOR.

También son comunes los cambios en tiradores y las alteraciones de os pies. Aunque evidentemente es preferible tener los ORIGINALES, las sustituciones son aceptables si mantienen el estilo del mueble, pero recuerda que el VALOR DE LA PIEZA BAJA. Si las alteraciones son incongruentes con el estilo sin duda vale la pena poner el empeño y el dinero necesarios para restituir el artículo al estilo correcto. Sobre todo si es una pieza de gran valor y puede adquirir más con sus piezas originales.
Más problemáticas son las alteraciones efectuadas para aumentar el valor de la pieza.

REPRODUCCIONES:
A los ojos modernos "reproducción", es más bien una fea palabra que implica engañosamente la idea de "falsificación" y de algo muy inferior a un "original". No obstante, en el periodo de entreguerras y desde la segunda guerra mundial se ha producido mucho mobiliario de reproducción de gran calidad, y la tradición adquiere cada vez mayor fuerza. Las mejores piezas reproducen fielmente no solo el diseño, sino también las proporciones y los métodos de construcción originales. No cualquier pieza reproducida es buen y no cualquiera puede reproducirlas.
Gran parte de los muebles de reproducción del periodo de entreguerras se redujo para adaptarse a las modernas viviendas, más pequeñas, y son de proporciones inferiores al original.

FALSIFICACIONES:
En los últimos años, a medida que aumentaba la demanda de muebles antiguos, han aparecido falsificaciones más deliberadas en anticuarios y salas de subastas. Por desgracia no resulta fácil resolver el problema de las falsificaciones: algunas son tan perfectas que ni siquiera el mayor experto sospecharía.

No se deje engañar, siempre que dude de alguna pieza examínela a conciencia y, si es necesario, pida la opinión de un experto.


Información extraída de Payne, Christopher,"Guía de muebles antiguos". Libros Cúpula. 1996

Cuidado y Restauración de tus muebles antiguos.

El cuidado correcto de los muebles antiguos te permitirá disfrutarlos por más tiempo y a la vez conservarlos en buen estado.
El uso y disfrute de los muebles antiguos es una razón fundamental para coleccionarlos; no es necesario tener miedo por ellos sólo porque sean antiguos. No olvides que la mayoría de piezas antiguas que te vayas a encontrar han sobrevivido a varias décadas, sino siglos, de uso, y deberían poder durar, en condiciones razonables, mucho más tiempo, siempre siguiendo unas normas sencillas.
Seguramente en el momento de adquirir la pieza es probable que no esté en el mejor de los estados. También es cierto, que hay un nivel de "desgaste" que es aceptable en algunas piezas. Un nivel que ha de ser aceptado por quien lo compra o, mucho mejor, por un experto.

CALOR Y LUZ
Ambos son dos principales enemigos de los muebles antiguos. Los artesanos de antaño dejaban que la estructura se moviese ligeramente y se adaptase a los cambios de las estaciones; pero en la actualidad eso no es posible, tanto por las calefacciones de las casa, la falta de humedad por los sistema de prevención de cambio de climatología. Pensad que los muebles están hechos de madera y que esta, aun tallada, sigue estando viva, la madera sigue cambiando de color, se expande y se contrae seguido...por ello necesita que el tiempo varíe. Por ello es normal encontrar grietas en la madera, desecaciones parciales...
Recuerda no exponer los muebles a a luz directa del sol, salvo que estén resguardados por un toldo u otra protección. Cuando hablo de protección no me refiero a las capas de líquido que se le aplican para protegerlas de la intemperie. Piensa que esas capas sintéticas que les aplicamos lo único que consiguen es que la madera no respire bajo ella.
Pensad en lo bonito que es un mueble con el color natural de la madera y ver como, año tras año, la tonalidad natural de la pieza va variando...está vivo...
También es cierto, que la luz natural del sol hace madurar la madera y contribuye a darle una pátina suave que marca el paso del tiempo sobre ella (algo mucho más natural); pero nunca en exceso ya que la reseca y provoca grietas y daños en las chapas de madera, muchas veces irreversibles.

ENCERADO Y ELIMINACIÓN DEL POLVO
El encerado ha de ser con poca frecuencia y utilizando una cera de abejas adecuada, pero siempre la cantidad adecuada. Piensa que al igual que los barnices, la cera obstruye los poros de la madera y además, en exceso, queda pegajoso. Nunca uses limpiadores de silicona, ya que dejan una capa muy falsa brillante por fuera, pero por su composición provocan que la madera en el interior se seque ya que no respira.
El polvo ha de eliminarse regularmente, pero con mucho cuidado, en particular las piezas chapadas y taraceadas, ya que se pueden desprender.

CHAPAS Y TARACEAS
Cuando se rompan o desprendan pequeños fragmentos de taracea (marquetería), han de ser reparados al momento, porque si se pierden son difíciles de recuperar y si dejas los bordes de la pieza ásperos se puede dañar más la pieza.

CARCOMA
Por desgracia, los insectos que perforan la madera son casi imposibles de erradicar. Aunque la fumigación preventiva resulta de gran ayuda, las larvas son capaces de permanecer en estado de letargo después del tratamiento.
Nunca subestimes la gravedad de la carcoma. Si ves rastros de galerías en la superficie, ello significa que la madera ha sido acepillada (pulida) y probablemente procede de otra pieza. A fin de identificar la carcoma activa, hay que examinar otros orificios o en el suelo. La carcoma suele atacar la madera blanda, como el pino o el haya. La carcoma rara vez ataca la madera dura como la caoba, pero puede atacar una estructura de madera blanda chapeada con caoba.

MANIPULACIÓN Y TRASLADO
Trasladar los muebles tallados o chapados es especialmente peligroso, ya que los cambios bruscos de humedad y la temperatura pueden levantar rápidamente as chapas. Pocos guardamuebles poseen un control de temperatura y humedad adecuados.
Al trasladar muebles procura:
- Recurrir a varias persona para cargar muebles en lugar de que sean arrastrados.
- Sostener los puebles por el armazón.
- Levanta las mesas por la estructura inferior o base, nunca por el tablero.
- Levanta las sillas por el faldón del asiento, nunca por el respaldo.


Información extraída de: "Guía de muebles antiguos" Christopher Payne. Miller's Libros Cúpula. 1996

LINTERNA MÁGICA

La linterna mágica fue un aparato óptico, precursor del cinematógrafo.
Su invención se debe al jesuita alemán Athanasius Kircher, quien en el siglo XVII, y basándose en el diseño de la cámara oscura, la cual recibía imágenes del exterior haciéndolas visibles en el interior de la misma, pensó en invertir este proceso y llevar las imágenes de dentro a afuera.
El artefacto consistía en una cámara oscura con un juego de lentes y un soporte corredizo en el que se colocaban transparencias pintadas sobre placas de vidrio. Estas imágenes se iluminaban con una lámpara de aceite (recordemos que aún falta mucho para el invento de la luz eléctrica), y para que el humo pudiera tener salida se dotaba al conjunto de una vistosa chimenea. Con los años, Cagliostro mejora este dispositivo, de modo que con un juego de ruedas se podía aumentar o disminuir el tamaño de la imagen proyectada.

Hacia finales del siglo XVII, las linternas mágicas se fabricaban de manera artesanal y bastante precaria, ya que estaban destinadas a una élite minoritaria con objectivos científicos, didácticos o divulgativos.
Durante el siglo XVIII, se introdujeron mejoras técnicas. Por ejemplo, se potenció la fuente de luz para mejorar la intensidad y calidad de las imágenes. Las mejoras no fueron limitadas a las linternas, también afectaron a las placas de vidrio, con las que se consiguió reproducir el movimiento a partir de la proyección simultánea de placas, utilizando mecanismos como el encadenamiento y la superposición de imágenes. Estos avances coincidieron con la aparición de placas móviles, donde el movimiento se produce en la misma, y el éxito de las placas deslizantes, en que el movimiento se producía haciendo deslizar un cristal móvil delante de otro cristal fijo.También existían las placas con cremallera, donde el movimiento se obtenía a partir de una manija que hacía girar unas dientes metálicas alrededor del cristal.
Poco a poco la linterna mágica se fue popularizando y se le fueron encontrando aplicaciones prácticas.
La linterna mágica sufrió un cambio fundamental en su diseño cuando la lámpara incandescente y el arco voltaico fueron inventados y su aplicación sustituye con inmensas ventajas la iluminación por lámparas de aceite. Poco después aparece la fotografía, con lo que las transparencias pintadas fueron sustituidas por diapositivas y la linterna mágica se convirtió virtualmente una ampliadora fotográfica. Quedaban apenas unos pocos pasos más para llegar a ser un proyector cinematográfico.

Originalmente, las imágenes se pintaban a mano en diapositivas de cristal. Al principio las figuras se dibujaban con pintura negra, pero pronto se comenzaron a usar colores transparentes también. En ocasiones se hacían en papel aceitado. A menudo se usaba la pintura negra como fondo de la imagen para evitar la luz superflua, de manera que las figuras pudieran ser proyectadas sin bordes que distrajesen o marcos. A muchas diapositivas se les hacía un acabado con una capa de laca. Más tarde también se comenzaron a usar cubiertas de vidrio para proteger la capa de pintura.​ Muchas de las diapositivas hechas a mano se montaban en marcos de madera con forma redondeada o cuadrada.
A partir de 1820 comenzó la manufacturación de diapositivas impresas a color, muchas veces utilizando transferencias de decalcomanía. Muchas de las diapositivas manufacturadas se producían en tiras de vidrio con varias imágenes en ellas que se bordeaban con una tira de papel encolado. Las primeras diapositivas fotográficas, llamadas «hyalotipos», fueron inventadas por los compatriotas alemanes Ernst Wilhelm y Friedrich Langenheim en 1848 en Filadelfia y patentadas en 1850.

(Las fotos que veis son de cristales de linterna mágica que tenemos en tienda. Venid a verlos en persona! 😊)

Electricidad en la medicina...

En relación a la publicación de ayer sobre el Sistema de Electroestimulación, os dejo un trocito del libro "Historias paralelas de la medicina...", para que os situéis en el tiempo con este artilugio.


"Entre todas las intervenciones técnicas modernas ninguna tiene tanto impacto en la medicina del siglo XIX como la electricidad.
Alrededor de 1750 se multiplican las experiencias de electrización.
Los trabajos de Galvani, Faraday, Andrew Cross y otros, se llevan a cabo de manera simultánea en diferentes países y son fascinantes: se atribuye al electromagnetismo la capacidad de aliviar la mayor parte de enfermedades, incluidos los problemas mentales. La importancia que se da a la electricidad responde al rechazo del modelo humoral para beneficiar el punto de vista que deja lugar a los nervios, espasmos y convulsiones. Considerados como algo en común por la élite médica, las electroterapias también son particularmente populares entre 1850 y 1900, para lo mejor y para lo peor...
La era del artilugio eléctrico médico dudoso comienza con el galvanismo terapéutico de Elisha Perkins (1741-1799). Éste recibe en 1776 la primera patente para fabricar aparatos médicos bajo a nueva Constitución de los Estados Unidos para sus tractores metálicos. Perkins, fuera de la naturaleza, siempre activo, trata de mezclar lo que aprende en los libros con su experiencia o intuición.

En la segunda mitad del siglo XIX abundan las electroterapias alternativas. Llaman la atención los adminículos con sus promesas de curación el cáncer, artritis y otros problemas. En las revistas estadounidenses aparecen anuncios que hacen elogio de fluidos magnéticos en todas sus formas: Galvanic Belts (cinturones galvánicos), Electric Insoles (suelas eléctricas), Electro-Magnetic Wrist-Bands (bandas electromagnéticas)...
Todos estos artículos utilizan una imaginería seudocientífica para alabar los méritos de la electricidad médica.

A principios del siglo XX, las frases que aluden a los principios voltaicos o galvánicos siempre surten efecto. En 1905 se patenta un collar-arnés que prepara el terrero a la familia de cinturones I-on-a-co, para colocarse alrededor del cuerpo y que es propuesto por Gaylord Wilshire.
En general el mercado estaba lleno de timos vulgares contra los que la justicia con frecuencia resulta impotente. Por ejemplo, hay que esperar a 1933 para que las autoridades sanitarias prohíban la publicidad que caracteriza como aparato médico al Theronoid, que sus promotores aconsejan para atender todas las enfermedades, de la constipación a la parálisis.
El fin del siglo XX está lejos de ver a la medicina magnética retroceder, como lo atestigua el imán Tectonic y otros productos equivalentes. Las palabras claves son las mismas y solo han evolucionado, aunque ligeramente, las justificaciones terapéuticas...."

Para seguir con esta lectura interesante os dejo el enlace de google books del libro,

"Historias paralelas de la medicina: De las flores de Bach a la osteopatía", de Thomas Sandoz.

*https://books.google.es/books?id=OYE1NjNdXbYC&pg=PT286&lpg=PT286&dq=t%C3%A9cnicas+medicina+finales+siglo+XIX+electricidad&source=bl&ots=Kx578IOzgs&sig=Hv81y4wwBYqASveetH1OY_Eyv0k&hl=es&sa=X&ved=0ahUKEwiI6sDDsdfZAhVGzxQKHXyVCiEQ6AEISDAG#v=onepage&q=t%C3%A9cnicas%20medicina%20finales%20siglo%20XIX%20electricidad&f=false

ARRIBADA!!

Este fin de semana se celebra un año más la llegada de Martín Alonso Pinzón y sus tripulantes a bordo de la carabela Pinta al puerto de Baiona anunciando el Descubrimiento de un Nuevo Mundo. 
Y, aunque todos los años esta fecha es digna de mención, este lo es un poco más, ya que celebramos el 525 aniversario de este hecho histórico (1 de marzo de 1493), declarado, además, desde 2015, Fiesta de Interés Turístico Internacional.
Una distinción de honor que, coincidiendo con su aniversario capicúa, van a festejar por todo lo alto. Ya en los últimos años ha sido notable el aumento de los actos y visitantes a esta gran fiesta, situada en el tiempo en el primer fin de semana de marzo. Siempre tratando de que quede lo más cercano al día oficial. Pero este año han tirado la casa por la ventana para celebrar un número tan especial y han ampliado la oferta de actos, el recorrido y el número de calles por las que poder transitar. Así mismo se amplían también los puestos para cubrir todo el terreno destinado a la celebración. Estos festejos se desarrollan, como es tradición, y dicta la historia, por las calles del casco antiguo y los paseos aledaños, dando a conocer al visitante una fiesta medieval en la que se ofrecen los productos de artesanía que consumían a finales del siglo XV. Todo ello acompañado de músicos, juglares, malabaristas y artesanos que recorren las calles reviviendo aquel suceso histórico para meternos en ambiente. Por supuesto, hay reconstrucción del relato de la llegada de la carabela y sus tripulantes con el anuncio del conocimiento de un nuevo mundo más allá del horizonte conocido.

Y por ello, con este suceso tan cercano, Antiquitatum Taberna, no podía dejar pasar la ocasión para mostraros lo que nos acaba de llegar y guardamos entre nuestras humildes paredes.

TALLA EN MADERA DE CASTAÑO. "COLÓN PISANDO POR PRIMERA VEZ EL NUEVO MUNDO".

Esta pieza está realizada en madera con estuco (preparación para recibir la pintura) y pintada a mano. Colocada sobre otra pieza de madera del mismo tipo y enmarcada para reforzarla. La pieza principal, que es el rectángulo con la representación del hecho en sí, es la más antigua, y se data aproximadamente a finales del siglo XIX.

Como podéis ver en la imagen inferior, la talla está realizada en una sola pieza. Es, como se puede apreciar, de altorrelieve, y realizado con gran maestría, ya que podemos ver, en algunas zonas como la lanza que porta el caballero del casco, que el artista deja espacio entre el arma y la base de la obra principal para que podamos pasar los dedos por detrás y nos demos cuenta del relieve de la obra y de la soltura del artista a la hora de su ejecución.

Espero que disfrutéis de la obra.

Os dejo el enlace para que podáis ver todos los actos que se celebrarán, si el tiempo lo permite, desde mañana en la Real Vila de Baiona. http://www.baiona.org/c/document_library/get_file?uuid=8f4d06b8-bd61-4423-a5fb-33e85f94caab&groupId=10904 

Vintage/Retro, Retro/Vintage..salgamos de dudas.

La linea para definir qué es Vintage y qué es Retro hoy en día, es tan delgada que muchos la mezclan sin tener en cuenta que no tiene nada que ver una cosa con la otra y que la diferencia, una vez explicada, es muy grande.

Vamos a ver si así definimos mejor la línea jjj

VINTAGE: esta palabra hace referencia directa al PASADO. Un objeto es Vintage si es ORIGINAL de la época en la que fue creado. Las piezas más representativas de este estilo son las de entre los años 20/30 y los años 70. Pero, teniendo en cuenta que el tiempo no se detiene, también podemos empezar a considerar ya las piezas originales fabricadas en los años 80 y 90.
Sí, también esas piezas del estilo Pop Art que tanto gustan y que vemos en los restaurantes de estilo americano decoradas tipo años 50/60 también se incluyen, por supuesto. Pero tened en cuenta que las que están en esos restaurantes son Retro, porque han sido fabricadas ex profeso para decorar en ese lugar. Serían Vintage si fuesen originales de los años 50/60, pero no lo son.

RETRO: aquí es donde está el problema. Este estilo evoca al pasado, pero sus objetos NO pertenecen al pasado. Es decir, los objetos Retro son los que reviven estilos y modas del un pasado reciente pero fabricados o creados en ÉPOCA ACTUAL.. Simulan la estética del pasado, pero no son antiguos. Son objetos nuevos, con aspecto antiguo. De ahí la confusión.
Aquí entrarían las piezas que os comenté arriba en la definición de Vintage cuando os hablaba de las piezas que decoran los restaurantes americanos estilo años 50/60. Esas piezas, realizadas para decorar esos establecimientos son Retro, porque evocan a una época anterior, pero son realizadas en época actual.


En resumen:
Los objetos Vintage son antiguos (viejos, si preferís la palabra), y los Retro son los recién fabricados con aspecto viejo.


La explicación del estilo Retro es tan simple como el pensar que no todo el mundo tiene acceso a poder adquirir esa pieza antigua y única que lleva cogiendo polvo en el anticuario de la esquina y a la que tú darías uso otros 50 años más. Por supuesto no hablo sólo del coste de la pieza, sino de poder tener acceso a las tiendas como anticuarios, rastros o tiendas especializadas.

De todas formas, en mi opinión, y teniendo en cuenta que a veces el Retro es más caro que el original o se le acerca bastante..yo me inclino por la pieza antigua original. Que sí, es más difícil de conseguir..pero la historia y la vida que tiene la pieza original le gana con creces a la pieza recién fabricada con aspecto antiguo...


Espero que haya sido de ayuda la explicación y no haber liado más la cosa jaja

El vestido de la izquierda ha sido confeccionado en los años 50, es Vintage. El de la derecha está inspirado en el primero con el estilo marinero, y es actual, por lo tanto es Retro.

😊😊😉😉

Llamar por teléfono, si no es con estilo, no es lo mismo.

¿Nunca os ha pasado que, mientras estáis hablando por teléfono miráis a vuestro alrededor buscando un sitio donde sentaros y, aunque tienes la casa llena de lugares bien cómodos, ninguno es el perfecto para atender esa llamada como se merece...?

Pues os hoy os presento al mueble perfecto para esa ocasión:

TELEFONERA AÑOS 20. En madera con tapizado de terciopelo.

Imaginaos sentados en ese precioso mueble mientras os apoyáis (con cuidadito jjj) en la preciosa balaustrada torneada con arcada doble y cornisa superior; rematado todo con dos volutas unidas en una gran curva, todo en madera, por supuesto.

¿¡Un recado que apuntar?! No hay problema! Abre el cajón, embellecido en su frente con una delicada y elegante moldura y realizado en su interior con ensambladuras de cola de milano que son una autentica belleza, y toma la libreta y anota todo para no dejar nada atrás jj.

En su frente, esta monería tiene detalles grabados en la madera que decoran todo su contorno. Las patas, en la parte superior, con decoración que nos recuerda a los triglifos de los frisos de los templos griegos, y sus fustes, en forma de vela y acanaladas, que recuerdan al mobiliario del estilo Luis XVI.

Ya no hay ganas de hablar por el móvil recorriendo toda la casa, ¿verdad? Para qué hacer kilómetros por toda la casa si puedes sentarte en esta preciosidad y hablar horas y horas con las posaderas bien cómodas..😂😉

Dejo de hablar para que podáis deleitaros con su belleza. También podéis venir a verla en directo a Antiquitatum Taberna y probarla; por si no creéis en su poder para enamorar a todo aquel que osa mirarle fijamente. 😉😉

Buen lunes a tod@s!!

Nuevas incorporaciones!!

Como leéis, sí sí. Dos nuevos inquilinos han venido a Antiquitatum Taberna. Creemos que celosos de la posición de los anteriores en el escaparate 😂😂

Hoy os presento a la corneta que siempre quiso ser lámpara...y lo consiguió jj

Elegante y funcional. Perfecta para una esquina de un salón o habitación. O para colocar cerca de tu sofá preferido para leer.











Y el guapo que veis bajo estas líneas es un teléfono antiguo reconvertido en joyero. Conserva todas y cada una de sus piezas originales, pero con una utilidad nueva, dado que no es posible su uso como teléfono. Adorna y además podemos darle uso. PERFECTO!😊

 

Como podéis ver, estos chicos siempre buscan darle una nueva vida a piezas sin vida. Objetos que han pasado a ser simples adornos, para poder volver a utilizarse y que no queden en el olvido apartados en un almacén o tirados a la basura.
Con un lavado de cara, pero sin perder la esencia para la que fueron creados en sus inicios, estos objetos vuelven a dar mucha guerra!
Recordad que estas piezas podéis encontrarlas a la venta aquí en Antiquitatum Taberna, y que están realizadas por los chicos de Arte do Cachivache. Seguidlos en facebook para ver sus nuevas obras y venid a nuestra tienda si queréis disfrutar de ellas en directo!