ESPERO QUE OS GUSTE

..."MÁS VALE UNA SONRISA TRISTE, QUE LA TRISTEZA DE NO VOLVER A SONREIR"...

"Todos los artistas tienen en común la experiencia de la distancia insondable que existe entre la obra de sus manos, por lograda que sea, y la perfección fulgurante de la belleza percibida en el fervor del momento creativo: lo que logran expresar en lo que pintan, esculpen o crean es sólo un tenue reflejo del esplendor que durante unos instantes ha brillado ante los ojos de su espíritu". (Juan Pablo II)

miércoles, 14 de noviembre de 2018

EL MANTÓN DE MANILA

UNA TRADICIÓN ESPAÑOLA PARA EL MUNDO

El lienzo cuadrado de seda, decorado en colores vivos con flores, pájaros o fantasías y rematado en todo su perímetro por fleco, es en realidad de origen chino. Sin embargo, se hizo muy popular en España e Hispanoamérica durante el siglo XVIII como un complemento del vestuario femenino. Este complemento se inmortalizó gracias a los pintores Joaquin Sorolla, Hermen Anglada Camarasa, Ramón Casas. Aunque ciertamente su origen ha sido materia de debate entre narradores e investigadores, pues hay quienes afirman que su origen en Hispanoamérica se dio en México, no deja de vincularse a la tradición española y su historia.


Generalmente se asocia el mantón de seda a la mujer andaluza. La razón por la que esta prenda se asocia con la cultura española, es porque su nombre se debe a la capital de Filipinas que fue una colonia española y origen de las rutas comerciales marítimas durante la época imperial española.

Originalmente se realizaba con seda cosido con hilos también de seda. De forma cuadrada y gran tamaño, urdido en colores variados, destacando entre ellos el negro y el marfil. Se realizaba un dibujo en papel y se perforaba, para luego marcar con tizas las plantillas perforadas dejando así la marca en la tela que pasaba al bastidor para proceder el bordado. La técnica que más se usaba era el bordado a matiz, y dentro de ella el bordado plano con puntos de matiz chino, pasado plano y cordoncillo. Finalmente se colocaban los flecos, que también se realizaban con hilo de seda y técnica de macramé. Toda su confección era un ritual cultural, una serie de eventos meticulosamente procesados para que resultase en una pieza hermosa y única. Las técnicas y procedimientos se han perfeccionados e industrializado, pero desde sus inicios se internó en la cultura española con una realización altamente artesanal.

Es importante destacar que para su almacenamiento los mantones requieren de un sistema de bordado especial, podría pensarse que desconocer tal sistema puede poner en riesgo la pieza, debido a que ciertamente es una pieza que merece cuidado. Sin embargo, existen métodos también tradicionales y fáciles de llevar a cabo para garantizar el cuidado de la confección y el acabado, como cubrirlos con una funda o guardarlos en un cajón y cambiarlos de posición de vez en cuando. También existen tubos acolchados donde el mantón queda enrollado entre dos telas de algodón de tamaño mayor para evitar que el polvo acidifique la pieza. Si es necesario realzar el bordado, basta con plancharlo del revés, con plancha de vapor.

Esta pieza ya tradicional es también un accesorio ideal en eventos de moda, ya que su colorida característica le imprime un aire sofisticado y elegante a la vez. Los mantones de Sevilla han sido lucido por personalidades reconocidas, como el caso de el Príncipe de Gales y la Duquesa en su visita a Sevilla en el año 2011, quien lució contenta un regalo recibido en Madrid, y se trataba de un mantón.

Por mantón de Manila se conocen en la actualidad tanto las piezas de seda bordadas a mano con hilos de seda también, como piezas realizadas con otros materiales como el raso; o seda pero cosida a máquina. 
El mantón de Manila original es de seda, negro cosido a mano con hilos de seda y dibujo de colores. Una pieza, claro está, de mucho valor, pero única por su belleza.

A pesar de ello, como decía, se pueden encontrar mantones realizados en diferentes telas algo mas económicas, y cosidos a máquina pero también de una gran belleza. Para que todos y todas podamos tener una pieza de esta belleza en nuestras casas.


Mantón de Manila en tela de raso negro cosido a máquina.
En perfecto estado de conservación.
Lo puedes encontrar en tienda, Antiquitatum Taberna.

martes, 6 de noviembre de 2018

LA FOTOGRAFÍA ANTIGUA

Gelatino bromuro 1878



La placa seca de gelatina bromuro es un avance tecnológico de la fotografía que prácticamente sirvió de puente entre los antiguos mecanismos (daguerrotipo, calotipo) y los medios fotográficos sucesores (placa de nitrato, película fotográfica flexible, etc).

Parte, inicialmente, de una emulsión hecha de bromuro de cadmio y de una solución a partes iguales de gelatina y agua. Una vez sensibilizada esta emulsión con nitrato de plata se extendía sobre el vidrio y se dejaba secar.

Las sucesivas mejoras en la emulsión, la aparición de las primeras máquinas para extenderla uniformemente sobre el vidrio, el hecho de que los negativos una vez producidos mantenían durante mucho sus propiedades fotográficas, la aparición (1888) de la cámara “Kodak 100 vistas” con rollo de papel, el uso a partir de 1889 de los soportes plásticos ( a pesar de los problemas del nitrato de celulosa, inflamable, a la venta hasta 1940) y del diacetato de celulosa, “síndrome del vinagre”) y, finalmente, su revelado químico, han permitido su uso hasta nuestros días.
Aspecto externo

Las placas secas de gelatina son las más comunes. A diferencia de las de colodión húmedo (tonos marrones, cálidos) las de gelatina son oscuras (negras) y la emulsión se halla extendida en la placa de forma regular. Las placas de nitrato, aparte de pruebas como la ignición, se identifican si en el borde llevan palabra nitrate. Cuando la palabra es safety nos encontramos ante una placa de acetato de celulosa. También puede realizarse su identificación a partir de su densidad, de su conductividad eléctrica o de sus muescas de fabricación, fácilmente observables en el borde del soporte.



Tras la dificultad que presentaba la manipulación en los exteriores del colodión, para perfeccionar un tipo de negativo que se pudiera exponer en seco, sin que se necesitara revelar inmediatamente después de su exposición, lleva a un nuevo estudio en investigación de la placa seca.

Tras muchos intentos sin éxito se propuso el gelatino de bromuro, quedando desbancado el colodión (1882). El gelatino-bromuro seca la placa.

Fue el fotógrafo británico Charles E. Bennett en 1878, quien inventó una plancha seca recubierta con una emulsión de gelatina y de bromuro de plata, similar a las modernas. En 1879, Swan patentó el papel seco de bromuro.

El afán de buscar un soporte más práctico que el cristal, hace que el colodión y otros similares nos lleve hacia 1886 donde aparece la celulosa como superficie fotográfica y con unos excelentes resultados.


Más adelante, el acetato de celulosa sustituirá al celuloide. Las emulsiones se relacionan según los diferentes tipos de sensibilidad y la exposición a la luz y el soporte de la emulsión. Estos tipos de sensibilidad se denominan de forma escalonada bien en Din o en Asa/Iso.

En 1861, el físico británico James Clerk Maxwell obtuvo la primera fotografía en color, con el procedimiento aditivo de color.



EN LA FOTOGRAFÍA PLACA INSTANTÁNEA DE GELATINA DE BROMURO. SE ENCUENTRA EN TIENDA A LA VENTA.


LISTADO DE PROCEDIMIENTOS FOTOGRÁFICOS POR ORDEN CRONOLÓGICO:
1816 - 1827. Heliografía
1834 - 1839. Dibujos fotogénicos
1839 - 1860. Daguerrotipo
1841 - 1850. Calotipo / Talbotipo
1841 - 1850. Papel a la sal
1847 - 1857. Albúmina sobre vidrio
1850 - 1900. Papel a la albúmina
1851 - 1880. Colodión húmedo
1854 - 1860. Ambrotipo
1856 - 1920. Ferrotipo
1860 - 1940. Papel al carbón
1878 -. Gelatino bromuro
1880 - 1920. Aristotipo al colodión
1880 - 1930. Papel al platino / Platinotipo
1880 - 1939. Cianotipo
1882 - 1930. Gelatina POP
1885 -. Gelatina DOP
1890 - 1892. Goma bicromada
1907 - 1935. Autocromos / Placa autocromática
1935 -. Revelado cromogénico
1946 -. Revelado por transferencia de tintes
1963 -. Procedimiento por difusión de tintes
1963 -. Revelado por blanqueo de tintes
1981 -. Fotografía digital
Página donde podéis encontrar esta información: http://cdf.montevideo.gub.uy/investigaciones/procedimientos-fotograficos/1878-gelatino-bromuro






miércoles, 31 de octubre de 2018

Louis Comfort Tiffany

LOUIS COMFORT TIFFANY (1848-1933), hijo del fundador de la empresa Charles Lewis Tiffany, se labró su propio camino con éxito, logrando el reconocimiento mundial por sus geniales diseños. Se convirtió oficialmente en 1902 en director de diseño de Tiffany y estableció el departamento de joyería artística situado en la Quinta Avenida donde se fabricaban sus piezas de joyería y otras obras preciosas.

Fue uno de los líderes mundiales del movimiento Art Nouveau. Es admirado por sus joyas, lámparas vitrales y vidrieras que iluminan museos, bancos, hospitales, vestíbulos de hoteles...

Con el vidrio, las gemas y el esmalte como principales materiales, Louis Comfort Tiffany celebró la naturaleza y el arte de las culturas exóticas. En su mágico mundo de belleza, libélulas incrustadas de gemas y bayas de granate se suman a joyas y objetos inspirados en patrones que van desde el antiguo Egipto hasta la India.

Louis Tiffany nació en Nueva York y estudió arte con los pintores George Iness (1825-1894) y Samuel Colman (1832-1920). En 1887 contribuyó a la fundación de la Society of American Artists. Tiffany había comenzado a experimentar con vidrio decorativo alrededor de 1875. Buscaba llevar el color al vidrio y estudió las técnicas antiguas y modernas en su intento de desarrollar nuevas formas de dar luminosidad y colores vibrantes al material. Su cristalería se hizo internacionalmente conocida especialmente su vidrio Favrile, que era iridiscente, fluido y de formas libres. Al comienzo de su carrera Tiffany viajó a Europa y visitó Londres, donde el movimiento esteticista estaba en su cumbre. En esa época James Whistler (1834-1903) estaba trabajando en su Habitación del pavo real que tendría un profundo efecto en el desarrollo de Tiffany. El motivo del pavo real fue muy popular y recurrente a lo largo del periodo el Art Nouveau.

El interés de Louis Comfort Tiffany por la botánica es evidente en el icónico floriforme Jack en el jarrón del púlpito (Jack in the Pulpit vase). Formado a partir de una sola pieza, o masa de vidrio fundido, presenta un exuberante borde abocardado sobre un tallo delicado y una base bulbosa. Tiffany produjo este jarrón en dos esquemas de color; Además del tono amarillo iridiscente semitransparente de este ejemplo, también estaba disponible en una combinación de verdes opalescentes, azules y violetas.

Aunque Tiffany comenzó su carrera como pintor, abandonó la pintura en favor de las artes decorativas en la década de 1870. Si bien abrazó a casi todos los medios a lo largo de su prolífica carrera, obtuvo la mayor aclamación por sus diseños de vidrio, incluidos los vitrales con plomo y el vidrio soplado conocido como Favrile, un nombre derivado de la palabra Old English fabrile(forjado a mano), producido por Tiffany Furnaces, Inc. en Corona, Queens. El vidrio Favrile, con superficies translúcidas u opacas y formas amorfas exuberantes, transformó la industria del vidrio anteriormente dominada por el vidrio cortado transparente en formas estándar.


ESTA PIEZA NO SE ENCUENTRA EN TIENDA, PERO SI ALGUIEN TIENE INTERÉS EN ELLA SE PUEDE MOSTRAR EN PERSONA PREVIA SOLICITUD.
VALORADA EN 12.000€ (se aceptan ofertas)

jueves, 4 de octubre de 2018

Cerrada por casi 30 años, la capilla de la Sábana Santa se reabre en Italia luego de esfuerzos de restauración masivos.


Un incendio en 1997 casi destruyó la capilla barroca. 


Podéis leer el artículo completo en el enlace que os dejo a continuación. (https://news.artnet.com/art-world/chapel-holy-shroud-reopens-1358287 ) 

Sólo he extraído la parte que habla (vagamente) de la reconstrucción de la capilla ya que la mayor parte del artículo se centra en si la sábana Santa es o no Santa. Si el título del artículo nos presenta que van a hablar de su reconstrucción, no es lógica tanta charla sobre la Sábana. Si quieren hablar de ella, que hagan otro artículo. No le estoy quitando méritos al artículo es sí. Pero si hablas un poquito de una cosa y un poquito de otra, realmente no estas hablando de nada. Si el quid del artículo es la restauración de la Capilla de Turín, háblanos de ella ya que hemos entrado en el artículo para conocer cómo ha sido la restauración, los antes y después, qué han tenido que hacer por completo y qué se han logrado salvar... 

Después de tanta charla..os dejo con lo más importante, para mi, teniendo en cuenta por qué entré en el artículo, de la lectura. 


Después de permanecer cerrada durante 28 años, la Capilla de la Sábana Santa en Turín, Italia, reabrió ayer después de una extensa operación de restauración y reconstrucción. Construida entre 1668 y 1694 para albergar el lienzo que se usó para envolver el cuerpo de Jesús después de su crucifixión y muerte, la iglesia sufrió un incendio devastador en 1997, aunque ya había estado cerrada durante siete años antes de eso después de que se desprendiese un gran trozo de mármol de la cornisa. 

El arquitecto italiano Guarino Guarini, sacerdote y matemático, diseñó la capilla barroca, que se encuentra detrás del altar mayor de la Catedral de Turín, para la familia ducal de Saboya. Cuenta con una impresionante cúpula autoportante construida con bloques de mármol entrelazados en una compleja obra de ingeniería. 

El incendio se desencadenó la noche del 11 de abril de 1997, durante una cena en honor a Kofi Annan, entonces secretario general de las Naciones Unidas, en el palacio contiguo. Los bomberos rescataron exitosamente el sudario de su caja de vidrio a prueba de balas y de clima controlado, pero la capilla fue destruida casi por completo, reducida a fragmentos de mármol calcificado y restos de bronce fundido. A pesar de las investigaciones, nadie sabe la causa del incendio, que se intensificó debido a los andamios de madera instalados dentro de la capilla debido a renovaciones recientes. 

Después del incendio, los esfuerzos de restauración pudieron salvar unos 4,000 elementos arquitectónicos, pero 1,150 piezas de la capilla quedaron irreparables y tuvieron que ser reemplazadas. Se trajeron nuevos mármoles negros y grises de la misma cantera, en Frabosa, en el Piamonte, que se usó durante la construcción original, con tecnología de vanguardia para garantizar que la pátina del mármol viejo y nuevo coincidiera. 

"Esto no ha sido una reconstrucción, sino un proyecto de conservación", dijo Luisa Papotti, la superintendente de arqueología, bellas artes y paisaje en la región de Piamonte, al Art Newspaper


Ahora que la capilla se ha vuelto a abrir, la cubierta volverá a su lugar de descanso tradicional, ya que había sido almacenada en una parte diferente de la catedral durante los años intermedios, siendo la última vista pública en 2015. 


Interior de la cúpula, capilla de la Sábana Santa (siglo XVII), por Guarino Guarini, antes del incendio de 1997, Turín, Piamonte, Italia.  Foto por DeAgostini / Getty Images.



viernes, 14 de septiembre de 2018

HISTORIA DEL PARAGUAS O SOMBRILLA

Aunque nos parezca una pieza de lo más normal, su evolución ha sido increíble. Incluso llegó a desaparecer o darse por olvidado durante varios siglos hasta que un buen día alguien abrió el trastero y dijo:"¡Anda mira!, qué bien me viene que hace un calor que te torras ahí fuera".
Esto último me lo he inventado, pero podría haber sido así su vuelta...
Vamos a conocer su historia..

Realmente no se sabe quién fue la persona que inventó el paraguas. Hay una preciosa leyenda china que nos habla de Lu Mei, una chica joven que se había apostado con su hermano mayor quién de los dos era capaz de construir un objeto para protegerse de la lluvia. En solo una noche, Lu Mei fue capaz de elaborar una especie de bastón de cuya parte superior “nacían” 32 varillas realizadas con bambú y que estaban cubiertas entre sí por una tela que recordaba la forma de un hongo o seta.
La historia es bien bonita, pero no hay registros que demuestren que esta historia sea real.

Aunque existen diversos mecanismos para plegarse todos parten del diseño original o, mejor dicho, de la referencia más antigua que se tiene de los paraguas: la del libro de ceremonias llamado Zhou Li, que básicamente es un tratado sobre burocracia y teoría organizativa del siglo II a. C. ahí se explica que en los coches imperiales debían colocarse esos artefactos para cubrir del clima a los usuarios y, además, se describe su forma, es decir, sus peculiares arcos y su bastón.
En realidad el paraguas más antiguo que se conoce es el hallado en la tumba de Qin Shihuang en donde el carruaje atado a unas preciosas esculturas de terracota, tiene un paraguas. Qin Shihuang fue rey del estado chino del 247 hasta el 221 a. C.

Con los intercambios comerciales que propició la Ruta de la Seda, los paraguas fueron conquistando territorio desde Asia hasta Europa. En las culturas antiguas como la egipcia, la griega y la romana se hacía uso de distintos tipos de parasol, hechos con los más diversos materiales.
La Edad Media lo ignoró por completo. Pero en el último tercio del siglo XV, apareció de nuevo el paraguas en Francia. Concretamente en su capital, Paris.

En Francia, al igual que en la antigüedad, se siguió empleando como un mero signo externo de prestigio. Era tenido como un objeto de lujo que empleaban solo las clases de linaje más elevado.  Simplemente sustituyó al bastón y la espada, ya que el desuso de ambos elementos coincidió en el tiempo.

Fue Inglaterra la primera nación europea en emplear correctamente el paraguas. O lo que es lo mismo, para protegerse de la lluvia, utilización que no se generalizó en otros países hasta llegado el siglo XVIII.

En su aceptación social jugó un papel fundamental un estrafalario individuo perteneciente a la nobleza británica, sir Jonás Hongway (nacido en 1712). Fue un precursor del paraguas, artilugio que vio por primera vez en Rusia y del que prácticamente se enamoró, ya que siempre iba con uno en la mano. Este excéntrico personaje se hacía equipado con su paraguas tanto en los círculos sociales más elegantes como en los barrios más pobres.

Tras el auge del paraguas en Inglaterra y Francia, entre otros países europeos, arribó con tremenda fuerza este elemento a España en el siglo XVIII, pese a contar con una historia a sus espaldas de más de tres mil años. A España llegó rodeado de una halo de elitismo y prestigio. Tanto es así que el paraguas se transformó en un objeto de deseo muy codiciado por parte de los individuos que pertenecían a la nobleza y a la Corte Española.

Cruzando el charco, fue en México donde se le dio gran importancia. En estas tierras, personajes como Hernán Cortés, veían con gran asombro como la nobleza azteca daban paseos equipados con una especie de quitasoles o sombrillas por la ciudad de Tenochtitlan. Hecho que se refleja en algunos escritos de la época que todavía hoy se conservan. Con el paso del tiempo, la colonización española junto con el resurgimiento del paraguas en Europa, hicieron que paulatinamente se fuera generalizando su uso en el resto de países de América.
Bastantes años más tarde, los ingleses también pudieron comprobar su empleo entre los nativos norteamericanos de las colonias americanas del Norte.


MATERIALES Y FABRICACIÓN:

Los primeros paraguas de Europa se fabricaban con huesos de ballena o maderas nobles y se recubrían con pelo de alpaca. Pero al principio el paraguas gozó de poco éxito ya que sus varillas de caña eran rígidas, lo que hacía que siempre se debía tener abierto. Algo que se solucionó en el año 1805, cuando Jean Marius inventó el paraguas plegable.

Como al principio era elemento destinado a personas con alto poder adquisitivo y amantes del lujo, la tela, el bastón y las varillas precisaban de materiales exóticos, eficaces y especializados.

Para la fabricación del bastón o palo, que debía ser flexible y resistente para ser capaz de resistir la fuerza del viento, se empleaban caña, madera, e incluso hierro. Se prestaba especial atención a la empuñadura, que iba pegada al recto bastón y se elaboraban con cuerno de animal, marfil, hueso, concha de carey y también ciertas maderas nobles esculpidas o talladas con infinidad de caprichosas formas y motivos.Respecto a la tela, generalmente se empleaba la seda. Con el paso de los años, se fueron adaptando otros materiales como por ejemplo el algodón, la seda, y mucho más reciente, el nylon.
Del mismo modo, en el año 1823, el químico escocés Charles Macintosh (1766 – 1483) inventó el primero paraguas impermeable moderno. Estaba realizado con caucho, lo que suponía un problema, desprendía un fuerte olor bastante desagradable. Con estas innovaciones se fueron abaratando los costes de producción haciendo que fuese cada vez más accesible para el pueblo.


Como podéis ver su uso ha sido un constante de alto y bajos, incluso llegando a ser olvidado. Pero en el momento que le cogieron el gustillo y se vieron elegantes con él a cuestas ya no lo soltaron más. Hoy en día cuando llega la hora de coger el paraguas significa que ha llegado el invierno y no nos hace ni pizca de gracia. Pero las imágenes que os muestro hoy de estos paraguas, mejor dicho parasoles, son para cubrirnos de Lorenzo. Sombrillas de señorita para cubrirse del sol y conservar la tez blanca cual mujer de alta alcurnia..


Disfrutad de la tarde de sol!
 


 









viernes, 7 de septiembre de 2018

Cómo determinar el valor de tu máquina de coser antigua


Resultado de imagen de la costura antigua





Cada día en nuestra tienda, tanto en persona como por teléfono o redes sociales, tenemos a clientes que preguntan el precio de sus objetos más preciados. Por supuesto de esos hay muchos que tienen un valor aproximado a lo que el cliente dice y otros que no hay por donde cogerlos. Incluso están los que piensan que no vale y realmente la pieza tiene su valor.
En el día de hoy ha pasado una clienta por nuestra tienda con esa misma pregunta pero sobre una máquina de coser Singer. Por ello os dejo esta publicación para que nos hagamos una idea de su valor.


VAMOS ALLÁ!


¿Sabías que las primeras máquinas de coser se fabricaron con hueso o cuerno de animal hace más de 25 000 años? Pero el arte de la costura a máquina como hoy lo conocemos empezó en 1846, cuando Elias Howe obtuvo una patente estadounidense para inventar la máquina de coser. 


Antigüedad
Para considerarla antigua, una máquina de coser debería ser anterior a 1900. A menudo, las máquinas de coser sumamente antiguas se han perdido en el tiempo o se han tirado. Por este motivo, puede valer tanto en una subasta una máquina de coser antigua; si sobrevivieron, entonces puede que sean inusuales, y, por lo tanto, sean bastante buscadas. Ten en cuenta que las Singer de 1960 en adelante tienen en su mayoría su número de modelo claramente visible en ellas. Anteriormente las Singer no llevaban el número de modelo.



Estado
Si tu máquina funciona y, especialmente si lo hace sin problemas y eficientemente, es probable que tenga un impacto muy positivo en su valor. Una máquina dañada o rota probablemente valga menos. Ten en cuenta también que una máquina será probablemente más valiosa si cuenta con la caja de madera original y en buen estado, y si la máquina tiene su llave original. Si dispone de todas sus piezas, documentos e instrucciones originales, es probable que también suba el valor de la máquina. Por supuesto, si tu máquina ya no funciona ni tiene sus piezas originales, no necesariamente quiere decir que no pueda hacerte ganar algo de dinero. Algunas veces los coleccionistas están interesados en una máquina por su valor estético y, por lo tanto, les interesa simplemente por el aspecto que tiene.


Modelos industriales frente a los domésticos
Tu máquina puede ser doméstica, vendida para los hogares y para uso personal, o bien una antigua máquina industrial, utilizada en una fábrica para producir a gran escala. Una máquina industrial probablemente será más grande y más resistente que un modelo doméstico, y será capaz de coser materiales gruesos como el cuero. Aunque estas máquinas de fábrica ya no son útiles para fines productivos, aún pueden ser objetos de coleccionista muy interesantes y decorativos. 



Factores que determinan el valor de una máquina de coser
La mejor manera de poder averiguar el valor de una máquina de coser es empezar por poder identificar el fabricante, y luego valorar su antigüedad, estado y tipo de máquina.

Singer
Uno de los nombres más grandes y antiguos en la historia de las máquinas de coser es Singer. Hacia 1890 Singer dominaba el mercado de la costura, con cerca del 80 % de las máquinas de coser del mundo siendo Singer. Y hasta hoy en día el nombre Singer es casi un sinónimo de coser. Algunas Singer populares de colección son la Featherweight, la Singer 301, la Singer 66, la Singer clase 127 y las máquinas Singer con forma de violín. Hay también, por supuesto, muchas otras marcas de máquinas de coser...

Clones japoneses de las Singer
Después de la II Guerra Mundial aparecieron en el mercado muchas máquinas de coser japonesas que eran clones. Financiados con dinero de los Estados Unidos, estos clones de las Singer a menudo tenían vivos colores o estaban decorados. Hay que tener en cuenta que, aunque el estilo fuera casi una copia del molde de las máquinas Singer, no eran falsificaciones. Intentaron copiar el nombre ‘Singer’. Muchos minoristas importantes también compraban máquinas de coser y les ponían el nombre de su compañía.

New Home
En su punto más álgido, en 1906 y 1907, la fábrica New Home produjo 150 000 máquinas de coser al año. Dejaron de producirse en 1955, pero fabricaron una amplia variedad de tipos de máquinas de coser, incluidas máquinas con manivela, la Parlor Cabinet Treadle y la ‘Número Cuatro’.

Wheeler & Wilson
Wheeler & Wilson fueron principalmente famosos por la fabricación de sus máquinas para hacer dobladillos. La compañía ganó numerosos premios en el periodo en el que estuvo en activo, incluido uno en los años 1860 por sus máquinas para ojales, capaces de hacer 100 ojales en una hora.

Willcox & Gibbs
Willcox & Gibbs fue fundada en 1857 por James E. A. Gibbs y James Willcox. La empresa fabricó modelos a pedal y a manivela para uso doméstico, pero también fue célebre por sus máquinas industriales, incluida una máquina lo suficientemente potente como para coser paja para sombreros y otros fines.

White
En términos de calidad, las máquinas de coser White estaban consideradas generalmente como las número 2, justo por detrás de las fabricadas por Singer. Hoy en día son unas de las marcas más comunes de máquinas de coser que se pueden encontrar en los Estados Unidos. Un modelo particularmente popular en el que fijarse es la máquina de coser White Family Rotary, una obra de la tecnología en producción desde finales de los años 1890 hasta los años 1950. 

Otras marcas a las que estar atentos incluyen Bernina, Elna y Pfaff.


Recordad que estas publicaciones son para orientar, siempre es aconsejable preguntar a un experto, o a un par de ellos, para contrastar opiniones sobre la tasación de la pieza.





Información extraída del experto en antigüedades Francisco Álvarez Lloret.

viernes, 29 de junio de 2018

El Pórtico de la Gloria....y su COLOR

Nuestro precioso Pórtico de la Gloria ha recuperado su color perdido...o, mejor dicho, oculto tras el paso del tiempo.
Tras años de limpieza podemos, al fin, contemplarlo con los colores originales con los que el Maestro Mateo (y su taller) lo imaginó y creó en la segunda mitad del siglo XII.

En mi opinión..puede que, al verlo, nos choque, porque estamos acostumbrados a verlos en lo que parecía el "color piedra" original. Pero tened en cuenta que estas obras se pintaban en su momento. No se dejaba la piedra vista, como lo haríamos hoy en día porque "nos queda preciosa la pared sólo con la piedra", cosa que es cierta. Pero en el románico (siglo XI-XII y XIII) se daba color a las esculturas; y las paredes de los interiores de las iglesias, eran por defecto, blancas.


Y ahora pregunto...¿qué os parece?
Habrá que ir a contemplarlo para poder juzgar en persona la impresión que nos causa verlo así, para nosotros, por primera vez.

Abierto al público a partir del 2 de julio.

Os dejo varios links para que leáis los artículos escritos al respecto y muchas fotos que muestran el cambio.
https://www.farodevigo.es/multimedia/fotos/galicia/2018-06-28-130543-catedral-santiago-renacer-portico-gloria.html
https://www.farodevigo.es/cultura/2018/06/28/renacer-portico-gloria/1919438.html
https://www.lavozdegalicia.es/noticia/santiago/2018/06/28/portico-gloria-recupera-magnificencia-tras-diez-anos-restauracion/0003_201806201806281530183087655.htm

El renacer del Pórtico de la Gloria

El renacer del Pórtico de la Gloria

viernes, 11 de mayo de 2018

KASPÁROV, DERROTADO POR DEEP BLUE

"El ordenador "Deep Blue", que ayer conducía las piezas blancas, derrotó y humilló al campeón del mundo de la Asociación Profesional de Ajedrez, el ruso Gari Kasparov, en 19 movimientos, en la sexta y última partida del encuentro que han disputado en Nueva York."

Así comenzaban los titulares del periódico ABC en relación a la competición realizada el 11 de mayo de 1997. El maestro ruso tenía amplia experiencia en la competición con máquinas diseñadas para jugar al ajedrez, ya que en 1989 había derrotado al computador Deep Thought y en 1996 al antecesor de su rival, también llamado Deep Blue. En esta ocasión la informática se tomó la revancha. El campeón abandonó en la sexta partida, quedando la puntuación total 3,5 a 2,5. En la rueda de prensa posterior explicó que su abandono se debió al gran cansancio acumulado y que su derrota no se había producido en la sexta partida sino en la quinta, en la que la máquina le obligó a hacer tablas, obteniendo así las blancas y una ligera ventaja para la sexta partida. Gracias a internet el encuentro fue seguido en todo el mundo.

Hoy dedicamos esta entrada al campeón del mundo Gari Kasparov ya que entre nuestras paredes tenemos un objeto muy curioso y con su estampa.

Matrioska rusa decorada a mano con temática de ajedrez y dedicada y firmada por Gari Kasparov.

Bajo estas líneas os dejo el enlace para que podáis leer la página del periódico al completo.



martes, 8 de mayo de 2018

Coca Cola cumple 132 añazos..qué bien se conserva.


El producto que le ha dado al mundo su sabor más conocido nació en Atlanta, Georgia, el 8 de mayo de 1886. El Dr. John Stith Pemberton, un farmacéutico local, produjo el jarabe para Coca-Cola , y llevó una jarra de la nueva producto en la calle de Jacobs 'Pharmacy, donde su muestra, se pronunció "excelente" y la pusieron a la venta por cinco centavos el vaso como una bebida de fuente de soda. El agua carbonatada se combinó con el nuevo jarabe para producir una bebida que era a la vez "Deliciosa y Refrescante", un lema que sigue siendo hoy en día parte de Coca-Cola.

Al pensar que "las dos C se verían bien en publicidad", el socio y contable del Dr. Pemberton, Frank Robinson, sugirió el nombre y la ahora famosa marca "Coca-Cola". El primer anuncio en el periódico de Coca-Cola pronto apareció en The Atlanta Journal , invitando a los sedientos ciudadanos a probar "la nueva y popular bebida de refrescos". 

Los primeros letreros de hule pintados a mano que decían "Coca-Cola"aparecieron en los toldos de la tienda, con la sugerencia "Bebida" agregada para informar a los transeúntes que la nueva bebida era para refrescarse.

El Dr. Pemberton nunca se dio cuenta del potencial de la bebida que él creó. Poco a poco, vendió porciones de su negocio a varios socios y, justo antes de su muerte en 1888, vendió su interés restante en Coca-Cola a Asa G. Candler. Un hombre con gran perspicacia para los negocios, el Sr. Candler procedió a comprar derechos adicionales y adquirir el control completo.


"Esto es sólo un pequeño resumen de la historia de Coca-Cola. Os dejo a continuación el enlace de la página oficial de esta bebida en la que nos cuenta su trayectoria"
https://www.coca-colacompany.com/stories/the-chronicle-of-coca-cola-birth-of-a-refreshing-idea



La imagen que os muestro sobre estas líneas es una placa de CocaCola (no es original) basada en las placas de principios de siglo y se encuentra en nuestra tienda.

lunes, 30 de abril de 2018

TAL DÍA COMO HOY..FALLECE EDOUARD MANET (no confundir con Monet jiji)

Enmarcado dentro de la corriente realista, Édouard Manet (París 1832 - id.,1883) fue una figura central dentro de la renovación de la pintura francesa y occidental de finales del siglo XIX. A pesar de no haber pertenecido al movimiento impresionista, la técnica y la temática de sus obras se convirtieron en referentes imprescindibles para la generación de pintores jóvenes que se decantaron por esta corriente, entre los que se encontraron Claude Monet, Paul Cézanne y Camille Pissarro. 
Hijo de un alto funcionario del Ministerio de Justicia, decidió hacerse pintor tras dos intentos fallidos de entrar en la Escuela Naval. De 1850 a 1856 asistió al taller de Thomas Couture, donde coincidió con su amigo de la infancia Antonin Proust, que más tarde sería ministro de Cultura. Guiado por su admiración por los grandes maestros de la pintura, copió en el Musée du Louvre las obras de los pintores renacentistas italianos y viajó por Bélgica, Holanda y Alemania. Más tarde, su veneración por la obra de Diego Velázquez, Bartolomé Esteban Murillo y Francisco de Zurbarán le llevó a pintar temas inspirados en España, a donde viajó en 1865.

La pintura de Manet evolucionó desde su inicial estilo tenebrista, de inspiración española, a una más luminosa, centrada por primera vez en la vida urbana moderna. Esta temática, desarrollada sin duda bajo la influencia de su amigo Charles Baudelaire, y su atrevida técnica ligera y brillante, provocaron su rechazo sistemático de los Salones oficiales, al tiempo que se acrecentó su fama entre los jóvenes pintores impresionistas, quienes intentaron, sin éxito, que se les uniera en sus exposiciones.

Resultado de imagen de almuerzo en la hierba de manet

Su Almuerzo en la hierba (arriba) (París, Musée d’Orsay), incluido en el primer Salon des Refusés de 1863, causó un importante revuelo, tanto por el tema como por la técnica empleada, sólo comparable al escándalo provocado poco después por su Olympia (bajo estas líneas) (París, Musée d’Orsay), en el Salon de 1865. El mayor éxito de su carrera lo alcanzó con Un bar en el Folies-Bergère (abajo siguiente) (Londres, Courtauld Institute), expuesto en el Salon de 1882.

Olympia

Resultado de imagen de un bar en el folies-bergère manet

Hacia el final de su vida pintó numerosos retratos de mujeres, tanto al óleo como en pastel, así como un gran número de bodegones y jardines. Su técnica, que se volvió todavía más suelta y espontánea, abrió un nuevo camino a la pintura moderna. Como escribió Henri Matisse varios años después de su muerte, Manet, al ser «el primer pintor en lograr la traducción inmediata de las sensaciones, liberó el instinto del pintor».


FELIZ LUNES A TOD@S!!!